قد يبدو أسلوب غريس ويلز بونر في الموضة في بعض الأحيان أشبه بأسلوب الأكاديمي وليس المصمم.

مجموعاتها الخاصة بـ Wales Bonner، العلامة التجارية التي بدأتها في عام 2015، مستمدة من أبحاث مكثفة مبهرة تشمل النظرية النقدية والموسيقى والأدب والتاريخ والتصوف. مع التركيز بشكل خاص على هوية السود والمحادثات حول العرق، تتشابك ملابسها المصممة بشكل حاد ومفصلة بدقة مع تقنيات الحرف الأفريقية التقليدية مع إشارات إلى شخصيات مثل الإمبراطور الإثيوبي هيلا سيلاسي، والكاتب جيمس بالدوين والفنان ثيستر جيتس، وإعدادات مثل قاعات الرقص في هارلم في أوائل القرن العشرين وقاعات الرقص في جامايكا في السبعينيات.

إن احتضانها الذكي للعديد من وجهات النظر والشخصيات، ونهجها الأفرو-أطلسي الذي تفتخر به في مجال الموضة، جعل من السيدة ويلز بونر، 33 عامًا، شخصية مؤثرة بشكل متزايد في هذا المجال. لديها شراكة مستمرة مع شركة Adidas وقد صممت الزي الرسمي لفرق كرة القدم للرجال والسيدات الجامايكيين. بدأت هذا العام بعرض مجموعاتها في باريس، المركز الإبداعي والتجاري للأزياء الفاخرة. عندما يتم فتح وظائف كبيرة في أفضل دور التصميم، غالبًا ما تتردد شائعات عن ترشحها.

لكن السيدة ويلز بونر هي أيضًا عالمة متعددة الثقافات ولها طموحات فنية خارج نطاق الموضة. وهذا الأسبوع، وبعد أكثر من أربع سنوات من البحث، سيتم افتتاح معرض قامت بإشرافه في متحف الفن الحديث في نيويورك. يتضمن العرض، “Spirit Movers”، أكثر من 40 عملاً من مجموعة المتحف وهو جزء من سلسلة اختيار الفنان في MoMA. ومن بين الفنانين مان راي، وألكسندر كالدر، وبيتي سار، ومصطفى ديمي، وتيري آدكنز.

قبل الافتتاح في 18 نوفمبر، جلست السيدة ويلز بونر في الاستوديو الخاص بها في لندن للحديث عن جاذبية التنظيم المؤسسي وأهمية الصوت في عملها في مجال الموضة وخارجها.

لقد قلت أن الملابس هي أكثر أشكال التواصل المباشرة لديك. فلماذا تختار القيام بمعرض فني؟

أرى أن بحثي هو ممارسة فنية – فهو حقًا أساس كل ما أقوم به – والملابس هي وسيلة مباشرة جدًا لتوصيل بعض الجوانب.

لكن التنسيق هو شيء أحب القيام به لأنه يتبع جدولًا زمنيًا مختلفًا تمامًا عن الموضة، وهو أمر دوري جدًا وله وتيرة معينة. أنا يحب إنه يجعلني منتجًا، ولكن أعتقد أن هناك قيودًا معينة على ما يمكنك استكشافه فكريًا.

عرض MoMA هو شيء عملت عليه لسنوات. لقد عملت أيضًا مع متحف الفن الحديث (MoMA) على كتاب للتصوير الفوتوغرافي بعنوان “حلم على الإيقاع”، والذي تم تصميمه ليتم عرضه جنبًا إلى جنب مع المعرض، والذي من المحتمل أن يكون أكثر استدامة. لذلك كان من المثير حقًا خلق تجارب لأشخاص مختلفين تمامًا عن تلك التي أنتجها في مجال الأزياء.

ما هو هذا العرض حول؟

يستكشف المعرض كيف يمكن ترجمة الصوت إلى وسائط مختلفة وإضفاء معنى على الأشياء أو الصور. لقد بحثت عن الفن الذي أعتقد أن لديه القدرة على ترجمة نوع ما من الإمكانات الصوتية أو الروحية. العنوان “محركات الروح” هو إشارة إلى فكرة أن الأعمال الفنية ليست ثابتة ولكنها كيانات ديناميكية مرتبطة بالطقوس والتفاني والخبرة الجماعية.

كيف يتجلى الإيقاع في عملك؟

أنا منجذب جدًا إلى الصوت والتجارب، وتلعب الموسيقى دورًا مركزيًا في بحثي. كمصمم، أحاول دائمًا التعبير عن الصوت من خلال الملابس أو صناعة الصور، وفكرة إدخال الإيقاع في القماش. إنه تحدٍ حقيقي، ولهذا السبب أعود إليه مرارًا وتكرارًا في عملي.

هل يمكنك إعطاء أي أمثلة على القطع الرئيسية؟

أحد الأعمال التي تعتبر أساسية في العرض يسمى “البوق الأخير” لتيري آدكنز. لقد ابتكر هذه الأبواق الطويلة للغاية باستخدام أجزاء مختلفة من الآلات الموسيقية القديمة، وربطها بفكرة الإمكانات والأداء الصوتي ولكن أيضًا بحالة جديدة من الوجود. لقد قيل لي أنه تأمل في الكثير من قطعه، وأعتقد أنه يمكنك أن تشعر بحضوره فيها. لديهم نوعية روحية.

هل عملك البحثي هو حالة تأملية؟

إن العمل من خلال المواد الأرشيفية وقضاء الوقت مع إبداعات الأشخاص الذين سبقوني هو بمثابة ممارسة روحية ملتزمة. إنها تمكنني من الوصول إلى مشاعر ومواقف الأجيال المختلفة. إنه يجعلني أشعر بالإرشاد الشديد على المستوى الشخصي. إن الترجمة إلى التصميم هي عملية مختلفة، ولكن أود أن أقول أنها نقية جدًا وموجهة أيضًا.

ما هو الجزء الأكثر تحديًا في تقديم العرض؟

نظرًا لأن مجموعة MoMA واسعة جدًا، كان من السهل أن تشعر بالإثارة والتشتت وعدم التركيز على موضوع ما. لذلك كان التحدي هو التحرير والتحسين وإنشاء قصة أو شعور متماسك. أردت حقًا خلق مساحة حول الأعمال الفنية والسماح ببعض الإمكانات الخيالية.

يعد التحرير جزءًا كبيرًا مما أفعله مع ويلز بونر. الإخراج شيء واحد التكرير شيء آخر. وهذا ما يجعلها رواية القصص.

يركز الكثير من أعمالك في مجال الأزياء على تسليط الضوء على الشتات الأسود. فهل هذا هو الحال هنا أيضا؟

الشتات الأسود هو مصدر إلهام دائم بالنسبة لي. لكن ما يعجبني في هذا المعرض هو أنني تمكنت من جعله أوسع نطاقًا وعالميًا للغاية.

ابتكر ديفيد هامونز هذا العمل الفني المذهل باستخدام الشعر البشري والطلاء المسمى “الكسوف الأفرو آسيوي (أو الصين السوداء)،” مستكشفًا الروابط الأفرو آسيوية. ثم فتح هذا العمل إمكانية التفكير في فنانين آسيويين مختلفين مثل ياسوناو تون، وهو فنان ياباني كان أيضًا جزءًا من حركة Fluxus والذي أنشأ مقطوعة موسيقية تسمى “Anagram for Strings”.

هل هناك إلهامات من عالم الموضة؟

أبحث في الكتاب المصاحب عن أعمال تعبر عن إحساس بالجمال أو فهم للأسلوب الأسود. في كثير من الأحيان، حتى مع التصميم، يكون الأشخاص الحقيقيون، أو المستندات الخاصة بأشخاص حقيقيين، هي ما ألهمني – كيف يرتدون الملابس، وكيف يجسدون الأسلوب ويعكسون الهوية من خلاله.

لذلك، تم عرض بعض المصورين، مثل روي ديكارافا، الذي اشتهر بالتقاط تجربة الأمريكيين السود في المناطق الحضرية. لقد بنى التصوير الفوتوغرافي فهمي للأسلوب بشكل أساسي. المعرفة لا تعطى لك. عليك قضاء بعض الوقت في إنشاء المواضيع لنفسك.

عندما كنت في المدرسة الثانوية، لم أعتقد أبدًا أنني سأعمل في مجال الأزياء. أردت فعلا أن أصبح مؤرخا.

أنت الآن تعرض مجموعات الأزياء الخاصة بك في باريس. لماذا؟

عندما بدأت علامتي التجارية، أردت تقديم رؤية أنيقة للغاية وراقية ترفع من مكانة السواد في الثقافة. لقد تغير الكثير في مشهد الموضة والفن منذ ذلك الحين، لذلك تم تحقيق هذه المهمة بطرق عديدة. نحاول الآن بناء مؤسسة مهمة مع ويلز بونر، وهو ما يعني التواجد في باريس والظهور فيها. لا أرى ما أفعله كغريب. يمكن أن يكون لديك تأثير أكبر كونك جزءًا من شيء ما وتعطيله من الداخل.

تم تحرير هذه المقابلة وتكثيفه.